mvaeth

Zu Zeiten der analogen Fotografie war es ein beliebter fotografischer „Trick“: nach erfolgter Aufnahme hat man den Film einfach nicht weiter transportiert und die folgende Aufnahme somit auf das gleiche Negativ belichtet. Diesen Vorgang konnte man auch mehrfach anwenden und so drei, vier oder mehr Bilder auf das gleiche Negativ belichten. Natürlich musste man sich vor so einer Aktion Gedanken über die jeweilige Belichtungszeit machen, schließlich bekam die erste Aufnahme ja jedes Mal Licht dazu. Wenn ich also z.B. eine Mehrfachbelichtung mit 2 Aufnahmen plante, musste die erste Aufnahme mit der Hälfte der Belichtungszeit fotografiert werden. Bei drei Aufnahmen wurde die Belichtungszeit für die erste Aufnahme 1/3, für die zweite 2/3 und für die dritte dann die „normale“ Belichtungszeit – gemessen mit einem Belichtungsmesser – eingerichtet.

Geht das auch mit digitalen Kameras?

Die Antwort ist „Jein“…. Es gibt zwar digitale DSLRs – insbesondere von Nikon, aber auch die Flag-Schiffe von Canon, die „Mehrfachbelichtung“ im Programm haben. Aber ist es das gleiche Prinzip, wie oben (analog) beschrieben? Nein. Was hier gemacht wird, beruht auf einem anderen Prinzip: es werden zwei (oder mehr) Einzelfotos per Software miteinander verrechnet. Das kann man sich so vorstellen, wie das übereinander legen zweier Ebenen und deren Verschmelzung durch einen der zahlreichen Verrechnungsmodi (Photoshop). Weiter unten in diesem Kapitel gehe ich genau auf die Mehrfachbelichtung mit meiner Canon EOS 5D MKIII ein.

Eine wirklich echte Mehrfachbelichtung kann man aber natürlich auch mit jeder DSLR hinbekommen, indem man z.B. im “Bulb“-Modus den Verschluss öffnet, nach erfolgter Belichtungszeit das Objektiv abdeckt, es für die zweite Belichtung wieder freigibt und danach den Verschluss wieder schließt. Dann hat man tatsächlich eine echte Doppelbelichtung realisiert. Nur: hier wird sehr schnell klar, dass es sich jeweils um längere Belichtungszeiten handeln muss, um dies zu realisieren. Eine weitere Möglichkeit wäre es, in einem abgedunkelten Raum zu arbeiten. Man hat hier mehr Spielraum für die einzelnen Belichtungen, die jeweils mit einem Blitzlicht erfolgen – also Verschlusszeit z.B. auf 5 sec, der erste Blitz zündet automatisch mit dem Start und beleuchtet das Model vor neutralem Hintergrund, den zweiten Blitz zündet man manuell, nachdem die Kamera auf das gewünschte Motiv ausgerichtet wurde – alles natürlich innerhalb der 5 sec, weil danach der Verschluss wieder schließt. Ein  „Haken“ bei diesen beiden Methoden ist: ich kann den Fokus für die zweite Aufnahme nicht kontrollieren.   

Es gibt Kameras, die eine Doppel- oder Mehrfachbelichtungs-Funktion aufweisen, dabei aber nicht die einzelnen Bilder speichert, sondern lediglich das Endergebnis – und dieses sogar oft lediglich als JPG-Datei. Dies ist leider ein großer Nachteil und bei solchen Kamera-Modellen rate ich eher dazu, zwei Einzelaufnahmen im RAW-Modus zu machen und diese dann in Photoshop zusammen zu fassen.

Die 5D MKIII kann bei Mehrfachbelichtungen sowohl die einzelnen Aufnahmen, als auch das Gesamt-Ergebnis jeweils als unabhängige RAW-Dateien speichern, was enorme Vorteile bietet!

Hier zunächst die Vorgehensweise:

Drücken Sie die „Kreativtaste“

Wählen Sie „Mehrfachbelichtung“ und in dem Untermenü sehen Sie nun drei mögliche Auswahlen:

„Deaktivieren“ – damit wird die Mehrfachbelichtung wieder deaktiviert

„Ein: FKT/STRG“ – (= Priorität auf Funktion und Steuerung), geeignet für alle Mehrfachbelichtungen, bei denen man auch die Einzelbilder der zusammengesetzten Aufnahme erhalten möchte.

„Ein: Reih.Aufn“ (=optimiert für Reihenaufnahmen), wird benutzt um Mehrfachbelichtungen in Reihenaufnahmen von einem sich bewegenden Objekt zu erstellen. Unter einigen weiteren Einschränkungen ist es hier nicht möglich, die Einzelbilder zu speichern, sondern nur das Gesamtergebnis bleibt erhalten.

Für unseren Zweck wählen wir also „FKT/STRG“ und haben nun (nach Bestätigung mit „Set“) folgende Möglichkeiten, Einfluss auf die Art der Verrechnung der Bilder auszuüben:

„Additiv“

Jede einzelne Belichtung wird kumulativ hinzugefügt. Richten Sie je nach der gewählten [Anzahl Belichtg.] eine negative Belichtungskorrektur ein. Wie Sie eine negative Belichtungskorrektur einstellen, ist nachfolgend kurz zusammengefasst. Dies entspricht der klassischen Mehrfachbelichtung auf Film.

(Belichtungskorrektur bei Mehrfachbelichtungen. Zwei Belichtungen: -1 Stufe, drei Belichtungen: -1,5 Stufen, vier Belichtungen: -2 Stufen und bei jeder weiteren Belichtung um eine halbe Stufe).

„Durchschnitt“

Die oben beschriebene manuelle Belichtungskorrektur wird hier automatisch gemacht. Gut geeignet für bewegte Motive vor feststehendem Hintergrund.

„Hell“

Es werden nur die hellen Bildbereiche miteinander verrechnet. Überlappen sich helle Bereiche, so wird die Helligkeit nicht erhöht (wie z.B. bei „Additiv“). Ideal für dunkle Motive und Nachtaufnahmen, in die dann z.B. im zweiten Schritt der Mond einbelichtet wird. Diese Methode entspricht dem Ebenen- Verrechnungsmodus „Aufhellen“ in Photoshop.

„Dunkel“

Diese Option kann bei Beseitigung heller Lichter und Reflexionen helfen. Dunklere Bereiche der einzelnen Aufnahmen werden kombiniert, während helle Bereiche reduziert werden und bei einer Überlappung werden sie nicht aufgehellt. Dieser Modus entspricht der Ebenen-Verrechnung „Abdunkeln“ in Photoshop.

Eine weitere Besonderheit bei der Mehrfachbelichtung mit der EOS 5D Mk III ist die Tatsache, dass man auch ein beliebiges Bild, welches sich auf der Speicherkarte im RAW-Format befindet (und mit dieser Kamera aufgenommen wurde) als Ausgangsbild für eine Mehrfachbelichtung benutzen kann. Durch diese Funktion steht einem schönen Portrait vor einem beliebigen – vorher fotografierten – Hintergrund nichts im Wege.

(Bild aus einem Workshop, Fotograf: Rainer Junker)

Hierzu muss man lediglich im Menü „Mehrfachbelichtung“ den Modus „Fkt/Strg“ und einen Verrechnungsmodus auswählen (Additiv, Durschn., Hell, Dunkel) und dann ganz unten im Menü die Funktion „Bildauswahl Mehrfachbelichtung“ mit „Set“ aufrufen, anschließend mit dem Schnellwahlrad die gewünschte Aufnahme ins Display holen und dann mit „Set“ und „OK“ bestätigen.

Übrigens: wenn man nun den Live-Bild-Modus aktiviert, wird das aktuell anvisierte Motiv direkt über die davor gewählte Aufnahme gelegt!

Dies waren die „Basics“ zur Mehrfachbelichtung. In der Anwendung dieser Funktionen steht ein weiter kreativer Bereich zur Verfügung und in späteren Beiträgen werde ich auch auf spezielle Fälle eingehen, bei denen diese Technik angewandt wird.

Für heute erst mal viel Spaß beim Experimentieren mit der Mehrfachbelichtung.

Portrait-Retusche . . . Teil 2 (Haut)

Die Erzeugung eines angenehmen und natürlich wirkenden Hautbildes beginnt mit der Entfernung von Störungen (Pickel, Flecken, Reizungen). Zunächst eine sehr schnelle Lösung, die sich aber nur bei ohnehin schon fast makelloser Haut anbietet, bei der nur kleinere Korrekturen vonnöten sind. Hierzu dienen zwei Werkzeuge: das „Ausbessern-Werkzeug“ und den „Reparaturpinsel“.

Insbesondere der Reparaturpinsel hat seine „Tücken“, wenn man ihn zu groß wählt, wenn die Härte nicht stimmt (meistens wenn zu hart) und wenn er  im Randbereich von stärkeren Kontrastunterschieden oder Tonwertunterschieden verwendet wird.
Natürlich können diese Reparaturen der Haut auch mit komplexeren Techniken erledigt werden, wie z.B. „Dodge&Burn“ oder „Frequenztrennung“ – wir sprechen diese Techniken ebenfalls an.

Hier zunächst das Beispielbild aus Teil 1 und die Stellen, die mit den beiden oben genannten Werkzeugen korrigiert wurden.

Zunächst die Stellen, die ich mit dem Ausbessern-Werkzeug bearbeite (hier rot umrandet). Ich markiere eine „Störung“ zunächst mit dem „Lasso“ (Taste „L“). Dann wähle ich das Ausbessern-Werkzeug und gehe damit in den ausgewählten Bereich hinein, drücke die linke Maustaste, halte sie und ziehe die Stelle nun in eine benachbarte Gegend, die keine Störung enthält. Sobald ich die Maustaste loslasse, geschieht die Reparatur unter der ursprünglich gewählten Stelle. Das Besondere hieran ist, dass auch gleich die richtigen Helligkeitswerte errechnet und „eingebaut“ werden, man sieht so keine Ränder.

Die blau gekennzeichneten Stellen werden mit dem Reparaturpinsel bearbeitet (wäre ebenso mit dem Ausbessern-Werkzeug gegangen).

Hier die Vorher-Nachher-Ansicht nach der Bearbeitung:

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Dies war – wie gesagt – die schnelle Methode – „quick&dirty“ – mit der man aber auch schnell an Grenzen stößt. In diesem Bild sind z.B. an der Stirn und im rechten Bildteil unter dem Auge einige Haare zu sehen, die mit dieser Methode nicht gut entfernt werden können. Es gibt zwei etwas aufwändigere Techniken der Hautretusche, die aber auch zu besseren, hochwertigeren Ergebnissen führen. Sie sind komplett mit Photoshop-Mitteln – also ohne Zusatzprogramme oder Plugins – zu realisieren, obwohl es zahlreiche sogenannte „Profi-Tools“, Plugins, Zusatzprogramme zur Portrait-Retusche gibt, die aber auf genau diese Techniken zurückgreifen. Ich spreche von „Frequenztrennung“ und von „Dodge & Burn“. Betrachten wir uns diese etwas genauer.

1) Frequenztrennung

Wieso eigentlich der Begriff „Frequenz“ in diesem Zusammenhang? Nun, man kann die Informationen in einem Bild in zwei unterschiedliche „Frequenzen“ aufteilen: eine Hochfrequenz – nämlich die in hoher Zahl vorkommenden Partikel wie Strukturen, Poren, Haare, Störungen – und auf der anderen Seite eine Niedrigfrequenz – also großflächig vorhandene Dinge wie Farbtöne, Schatten, Helligkeit, Tonwerte.
Mein „Workflow“ sieht folgendermaßen aus:
nachdem ich das betreffende Bild in Photoshop geladen habe, mache ich zwei Kopien der Hintergrundebene (STRG- J) und nenne die erste Kopie nun „LOW“ und die zweite (obere) Ebene bekommt den Namen „High“. Nun blende ich die „High“ -Ebene aus (das Auge links neben dem Ebenen-Icon wegklicken), damit diese unsichtbar wird. Mit einem Mausklick in die Ebene „LOW“ aktiviere ich diese. 

Nun wende ich auf dieser Ebene den Filter->Weichzeichnungsfilter-> Gaußscher Weichzeichner an. Den Regler ziehe ich so weit nach rechts, bis alle Poren oder Störungen verschwunden sind – der Reglerwert variiert natürlich von Bild zu Bild, liegt aber in den meisten Fällen etwa zwischen 7 und 10. Wichtig ist, dass man sich den eingestellten Wert gut merkt, da diese r Wert später noch einmal eine Rolle spielt! Also am besten notieren.

Nun wird die „High“-Ebene wieder eingeblendet und ich klicke auf Bild->Bildberechnung und stelle in dem sich öffnenden Fenster die folgenden Werte ein (je nachdem, in welcher Bit-Tiefe das Bild vorliegt):

Bei 8-Bit: RGB-Kanal nicht umkehren, Mischmodus auf „Subtrahieren“, Skalieren auf „2“ und Versatz auf „128“.

Bei 16-Bit: RGB-Kanal umkehren, Mischmodus auf „Addieren“, Skalieren auf „2“, Versatz auf „o“.

Beachten: in dem Auswahlfeld „Ebene“ muss die Ebene des weichgezeichneten Low-Frequency-Bildes ausgewählt sein (im Beispiel die „LOW-Ebene) !

Jetzt wird die aktive „High“-Ebene auf den Ebenen-Modus „Lineares Licht“ gestellt. Das angezeigte Bild muss nun genau so aussehen, wie das ursprüngliche Original.

Ab hier gibt es sehr viele Wege, die zum Ziel führen. Ich empfehle zunächst mit Werkzeugen wie Pinsel,Kopierstempel und Reparaturpinsel zu arbeiten und zwar auf der „LOW“-Ebene mit sehr geringer Härte die Lichter, Schatten, Farbtöne  und auf der „High“-Ebene mit größerer Härte die Details zu bearbeiten. 

Wenn Sie zwischen die „LOW“- und die „HIGH“-Ebene noch eine Ebene als „Arbeitsebene“ einfügen, können Sie die Korrekturen auf dieser Ebene machen und diese dann sehr schön per „Deckkraft“ zu regeln!

Hier das Ergebnis der Hautbearbeitung mit der Frequenztrennungs-Technik:

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Übrigens hätte man die Ebenen LOW und HIGH auch als Smartobjekte anlegen können, dann könnte man die Filter auch nachträglich noch korrigieren und verändern.

Ebenso könnte man eine zusätzliche „Dodge&Burn“ -Bearbeitung durchführen, um weitere Verbesserungen herbeizuführen – dazu aber beim nächsten Mal mehr, da die Technik Dodge&Burn ein extra-Kapitel wert ist.

Portrait-Retusche . . . Teil 1

In dieser Serie möchte ich zeigen, wie und mit welchen Mitteln ich ein Portrait retuschiere. Vorweg aber ein paar Worte zur Portrait-Retusche generell:

Nicht selten habe ich die Meinung gehört, ein gutes Foto müsse nicht retuschiert werden. Oder: eine Retusche ist eine Verfälschung der Tatsachen.

Beides ist gleichzeitig richtig und falsch !

Richtig ist: eine Retusche muss nicht zwangsläufig gemacht werden. Und richtig ist auch, dass eine übertriebene oder falsch angelegte Retusche ein Bild verderben kann – ganz besonders in der Portraitfotografie.

Dennoch gibt es durchaus Berechtigungen für eine gewissenhafte und mit den richtigen Maßnahmen und Werkzeugen durchgeführte Retusche, man denke nur an die sehr aufwändigen Arbeiten für den Druck eines Modemagazins. Retusche ist aber auch da berechtigt, wo nachteilige Bildelemente entfernt werden, wie etwa Hautunreinheiten, kleine Wunden, Kratzer, aber auch durch die Fotografie entstandene oder eben nicht entstandene Lichtreflektionen  und vieles mehr. Allerdings bin ich auch ein Befürworter der Tatsache, dass eine maßlose Übertreibung – z.B. die Änderung von Gesichtsformen – eher in den Bereich Bildbearbeitung/Montage gehören – und, dass man eine gute Retusche daran erkennt, dass man sie (fast) gar nicht bemerkt, wenn man nur das Ergebnisbild sieht.

In diesem Sinne gehen wir’s an ! Alle Werkzeuge sind in dem Programm Photoshop enthalten, es gilt lediglich zu lernen, welche Werkzeuge wann optimal eingesetzt werden können und welche Techniken zum bestmöglichen Erfolg führen.

Mein Weg durch die Portraitretusche ist übrigens bei weitem nicht der einzige – und vermutlich auch nicht immer der schnellste – es führen, wie immer, viele Wege nach Rom.

Schauen wir uns also zuerst das Portrait einer jungen Dame im Original an.

Die erste Überlegung gilt dem Beschnitt des Bildes – in diesem Fall belasse ich es bei dem Original, ebenso wie die Hintergrundgestaltung. Es gibt im Hintergrund lediglich ein paar kleine Sensor-Flecken, die ich mit dem „Ausbessern“-Werkzeug schnell entferne.

Bei größeren „Störfaktoren“ – hier z.B. ein Kabel, welches vom Kopf zum rechten Bildrand reicht, benutze ich gerne die Funktion „Fläche ersetzen“. Dazu wird das „Störobjekt“ zuerst mit dem Lasso-Werkzeug (Shift+L) ausgewählt, dann ruft man über „Bearbeiten->Fläche füllen“ die Funktion auf und wählt im oberen Fensterchen die Option „Inhaltsbasiert“. Je nachdem, wie die Auswahl „gelegt“ wurde, kann es manchmal zu unerwünschten Effekten kommen, das hat man aber schnell im Griff mit ein wenig Übung.

Nun kommen wir zum eigentlichen Thema : die Haar-Retusche. In der Regel stehen immer irgendwo Haare ab. Diese entfernt man am einfachsten mit dem Kopierstempel, den man mit (Shift+S) aufruft. Mit diesem nimmt man den nächstliegenden Bereich des Hintergrundes auf (ALT+linke Maustaste in den Hintergrund) und platziert dieses aufgenommene Stück per Links-Klick auf die gewünschte Stelle. Bei einem homogenen Hintergrund kann man den Inhalt des Kopierstempels immer wieder benutzen, muss also für weitere Korrekturen nur noch den Links-Klick an den betreffenden Stellen machen, wo die Haare abstehen, man kann den Stempel sogar „ziehen“ mit gehaltener linker Maustaste.

Auch das ist Übungssache, man lernt schnell, wie die Unterschiede sich auswirken mit unterschiedlichen Härteeinstellungen des Pinsels, mit unterschiedlichen Pinselgrößen, oder mit unterschiedlicher Deckkraft.

Nach dem Wegstempeln der überstehenden Haare möchte ich nun bei dem vorliegenden Portrait die Lichtsituation ändern: die überstrahlten Lichteinfälle durch einen hinter dem Model stehenden Blitz sollen reduziert, oder ganz eliminiert werden. Das ist zwar ein ziemlich „heftiger“ Eingriff, der eigentlich die ganze Fotografie ändert, aber es geht ja in diesem Kurs darum, was machbar ist und wie ich die Aufgaben angehe.

Hier habe mich dazu entschieden, die hellen Bereiche einfach mit dunklen Haaren zu übermalen.

Dazu wähle ich einen Pinsel mit der Größe 1 oder 2 Pixel, einer Deckkraft von 50% und einer Härte von 100%. Die Einstellung eines solchen Pinsels geh am schnellsten über die „Pinselpalette“, sie wird mit >>F5<< aufgerufen. Ich habe zur Veranschaulichung die Stellen mit roten Pfeilen markiert, wo ich Einstellungen gemacht habe. Die Deckkraft von 50% dienst dazu, dass man so auch transparente Bereiche schaffen kann. Bevor ich mit diesem Pinsel nun einzelne Haare male, nehme ich mit der Pipette noch die jeweils passende Farbe benachbarter Haare auf.

Einzelne Haare zu malen ist zugegebener Maßen eine Geduldsarbeit – sie lohnt sich aber zu üben, weil sie in anderen Projekten durchaus besser und praktikabler sein kann, als z.B. eine Freistellung!

So weit also Teil 1, hier nochmal die Gegenüberstellung der bisher erledigten Arbeit. Im Teil 2 wende ich mich der Haut-Retusche zu. Bis dann, viel Spaß beim Retuschieren, liebe Grüße,

Manfred Vaeth

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Farbe verändern in Lightroom

Wer glaubt, dass man nur in Photoshop Objekte anders einfärben kann, sollte einmal folgendes versuchen in Lightroom:

1) Aktivieren Sie zunächst im Modul „Entwickeln“ den Korrekturpinsel.

2) Regeln Sie nun die Sättigung ganz nach links (auf -100). Fahren Sie jetzt mit dem Korrekturpinsel über Ihr Objekt (im Beispiel habe ich eine der gleichfarbig grauen Mercedes-Limousinen gewählt).Sie sehen es nun in völlig entsättigter Form, also in Graustufen.

3) Abschließend wählen Sie über das Farbfeld <Farbe> den gewünschten Farbton….Et voilà !

Sie können nun noch mit dem Sättigungsregler die ursprüngliche mit der neuen Farbe mischen, oder durch ein- oder mehrfaches Duplizieren der Einstellung des Korrekturpinsels den Farbton in der Sättigung verstärken – dazu klicken Sie einfach mit dem Befehl <Strg>-<Alt> auf den Bearbeitungspunkt.

Der goldene Schnitt – als Anwendung bei der Bildgestaltung.

Nun fangt bitte nicht gleich an zu gähnen, nach dem Motto „schon wieder dieser goldene Schnitt“ – ich weiß, jeder, der sich ernsthaft mit Bildgestaltung beschäftigt, wird schon viel darüber gelesen haben und nicht jeder Bildgestalter hat automatisch eine Affinität zur Mathematik oder Geometrie. Klar. ABER: gerade WEIL das Thema immer wieder präsent ist, sollte man zumindest genau darüber bescheid wissen. Und : wie das folgende Bildbeispiel beweist, lohnt es sich schon, etwas tiefer in die Materie einzusteigen.

Unsere Bildfläche ist im Format 2×3, ein gängiges Querformat.

Die roten Hilfslinien folgen allesamt den Regeln des goldenen Schnittes – wie man sieht, gibt es einige goldene Schnitte in so einer Bildfläche. Die Kreuzungspunkte der waagerechten und senkrechten sind also Punkte, die gleich mehrere goldene Schnitte beinhalten und somit besonders beliebt sind, um in ihnen (oder um sie herum) die bildwichtigsten Elemente zu platzieren – etwa ein Auge bei einem Portrait.

Der Vollständigkeit halber hier etwas graue Theorie über die „Findung“ des goldenen Schnittes (Quelle Wikipedia):

Als Goldenen Schnitt (alternative Schreibweise: goldener Schnitt;^[1] lateinisch: sectio aurea, proportio divina) bezeichnet man das Teilungsverhältnis einer Strecke oder anderen Größe, bei dem das Verhältnis des Ganzen zu seinem größeren Teil (auch Major genannt) dem Verhältnis des größeren zum kleineren Teil (dem Minor) entspricht. Als Formel ausgedrückt (mit  als Major und  als Minor) gilt:

Nahezu jedem Fotografen ist die „Drittel-Regel“, auch oft „Zwei-Drittel-Regel“ genannt, bekannt. Auch sie findet ihren Ursprung im goldenen Schnitt, es handelt sich um eine Vereinfachung für den Umgang in der Fotopraxis. Die Bildfläche wird in drei gleich große horizontale bzw. vertikale Streifen unterteilt und die Bildmotive werden an den Trennlinien oder den Schnittpunkten verteilt.

Im folgenden Bild steht ein Wasserglas exakt auf einer solchen Trennlinie, also im goldenen Schnitt – und trotzdem scheint es irgendwie nicht so ganz “ richtig“ plaziert zu sein…

8 von 10 meiner „Testpersonen“ haben angegeben, dass sie das Glas „gefühlsmäßig“ nicht richtig plaziert sehen oder dass sie das Bild nicht wirklich harmonisch empfinden. Hier zunächst also das Bild – die eingezeichneten Hilfslinien geben in ihren Schnittpunkten den goldenen Schnitt wieder und Objekte, die auf diesen Linien liegen, sollen also „auf dem goldenen Schnitt liegen“ und somit die bestmögliche Harmonie im Bild erzeugen.

Warum habe ich also nun das Gefühl, dass die Position des Glases nicht wirklich stimmig ist?

Die Beantwortung ist eigentlich trivial: das Glas als Objekt ist für die Bildfläche viel zu groß, um es als solches genau zu „platzieren“. Welches ist denn der „bildwichtige Teil“ eines Glases, den ich im goldenen Schnitt platzieren soll? Bei einem Auge eines Portraits ist das schon sehr viel einfacher. Durch Experimente habe ich herausgefunden, dass man in einem Objekt einen Punkt festlegen kann, der so ungefähr als „optischer Schwerpunkt“ bezeichnet werden könnte. Legt man nun genau diesen Punkt auf einer der sich kreuzenden Linien ab, so sieht das Ganze schon sehr viel harmonischer aus.

Eine ähnliche Vorgehensweise habe ich bei dem Produktfotografen Hubert Schuy (Köln) gesehen, er beschreibt den sog. „Doppelten Goldenen Schnitt“. Hierzu hat er das Objekt (Glas) sehr eng eingerahmt und innerhalb dieses Rahmens ebenfalls die Linien des goldenen Schnitts bestimmt.

Nun wird das Objekt auf der gesamten Bildfläche so verschoben, dass sich die Vertikalen (oder horizontalen) Linien beider goldenen Schnitte überlagern. Das Ergebnis war schon sehr viel harmonischer und stimmte mit der „Bauchgefühl“-Position fast genau überein.

Da ich von Natur aus ein „Tüftler“ bin, habe ich noch eine weitere „Entdeckung“ gemacht. Es gibt noch andere „Regeln“ außer dem goldenen Schnitt, die zu einer harmonischen Bildgestaltung führen sollen. Eine davon ist die „Diagonalmethode“, entwickelt von dem niederländischen Fotografen Edwin Westhoff, beruhend auf zahlreichen Messungen bei Fotografien , Gemälden und Kupferstichen. Er ist der Meinung, dass die „starken Punkte“ auf der Diagonale eines Quadrats liegen. Diese Methode ergibt sich bei rechteckigen Flächen, die im Verhältnis 4:3 oder 3:2 (Kleinbildformat) stehen und werden geometrisch folgendermaßen gebildet:

Man zeichnet in jede Ecke die Winkelhalbierende und kommt so zu zwei Quadraten auf der Bildfläche und somit zu vier Diagonalen. Jeder Punkt auf einer dieser Diagonalen ist ein „starker Punkt“.

Da ergeben sich aber ganz schön viele Möglichkeiten!

Meine Experimentierfreude war an diesem Punkt aber noch nicht zu Ende: ich habe nun die beiden mittleren Schnittpunkte der Diagonalen mit dem goldenen Schnitt des Glases zusammengebracht – und siehe da : das war genau die Position, die mir mein „Bauchgefühl“ schon suggeriert hat.

Klar – nun höre ich euch schon sagen: so’n Quark, dann hättest Du Dir die ganze Arbeit sparen können und Dich gleich auf Dein Bauchgefühl verlassen können. Das stimmt aber nur zum Teil. Gerade in der Produktfotografie kommt es sehr oft auf die optimale Positionierung an und da ist so ein „sicheres“ Hilfsmittel sehr wertvoll. Auf der anderen Seite gilt jedoch trotzdem: wenn es dem Bild zuträglich ist, pfeife ich auf alle Regeln ! Allerdings nicht, bevor ich sie zumindest ausprobiert habe, sie also kenne.

So – und wer sich so tapfer bis an diese Stelle durchgearbeitet habe, für den habe ich eine kleine Belohnung: schreibe mir eine e-mail, dann schicke ich Dir die Photoshop-Aktion „Goldener Schnitt“, die per Knopfdruck eine extra-Ebene über Dein Bild legt mit den Hilfs-Linien des Goldenen Schnittes.

In diesem Sinne, Gut‘ Licht !

Euer Manfred

Anwendung einer Aktion rückgängig machen.

Es gibt zum Teil sehr umfangreiche Aktionen, die man zur Arbeitserleichterung bei immer wiederkehrenden Arbeitsschritten einsetzen kann.
Was aber, wenn man eine angewandte Aktion rückgängig machen will?! Man muss entweder jeden einzelnen Schritt rückgängig machen, oder in der Protokoll-Palette so lange scrollen, bis man den Anfangspunkt der Aktion findet (wohl dem, der in den Photoshop-Einstellungen genügend Schritte für die Protokollobjekte eingestellt hat – ->Voreinstellungen->Leistung->Protokollobjekte).
Es geht aber auch einfacher:
– Machen Sie VOR der Ausführung einer Aktion in der einen „Schnappschuss“. (Ganz schlau wäre es, diesen Schritt bei jeder Aktion als ersten Schritt direkt mit aufzuzeichnen!). Danach können Sie die Aktion sehr einfach rückgängig machen mit nur einem einzigen Mausklick auf den erstellten Schnappschuss.
Im Beispielbild habe ich eine ziemlich lange Aktion benutzt, die über das Bild Hilfslinien legt, welche sich im goldenen Schnitt kreuzen. Am Anfang der Aktion steht der Befehl „Schnappschuss erstellen“, wenn ich also später in der Protokoll-Palette den Schnappschuss anklicke, habe ich das Bild wieder im Originalzustand.